Статья является обзором жизни и творчества выдающегося английского балетмейстера XX века Фредерика Аштона. Автор выявляет общие закономерности развития балетмейстерского стиля хореографа, описывает биографию  Аштона,  события  жизни  и  творчества,  нетипичные  для  профессионального  балетмейстера,  многолетний  период  службы  в  армии, отсутствие музыкального образования, что не помешало созданию безупречно музыкальных хореографических спектаклей, утонченно образных, устойчиво жизнеспособных. В статье речь идет и о влиянии Анны Павловой на жизнь и творчество балетмейстера.

В  статье  освещается  процесс  создания  хорео-музыкального  художественного спектакля. Рассматривается механизм объединения музыкального и хореографического текстов. Описываются альтернативные принципы дискретности, независимости взаимодействия в создании современной хореографической  постановки.  Обосновывается  необходимость  рассмотрения альтернативных подходов к взаимозависимости музыки и движений как в технологическом, так и в творческом направлениях.

В статье рассматривается пример пластической интерпретации оперы В. А. Моцарта «Волшебная флейта» в хореографии А. Б. Петрова. Анализ балета «Волшебная флейта» в постановке А. Б. Петрова проводится с учетом комплексного подхода к сценическому тексту: параллельного и одновременного рассмотрения музыки, хореографического решения, трактовки  образов  и  коллизий,  а  также  сценического  оформления  и  костюмов. Особое внимание уделено вокальным формам, получившим хореографическую интерпретацию. Отмечается, что нередко А. Б. Петров берет за основу  музыкальные  формы.  Так,  ария  превращается  в  вариацию,  дуэт  — в adagio, вокальный терцет — в балетное трио, хор — в кордебалет. Более того, используя ведущую балетную форму pas de deux для больших сцен, связанных с персонажами, балетмейстер предельно ясно раскрывает хореографическими средствами характерные особенности образов главных героев. В своей постановке Петров, опираясь на музыкальную основу оперы Моцарта  и  дополняя  ее  вставными  музыкальными  фрагментами  других произведений композитора, сумел сохранить единый музыкальный стиль и  раскрыть  его  содержание,  используя  канонические  балетные  приемы и классическую форму танца.В  работе  использованы  фрагменты  из  личной  беседы  автора  (Гасниковой О. В.) с хореографом-постановщиком балета «Волшебная флейта», народным  артистом  России,  Лауреатом  премии  города  Москвы  в  области  литературы  и  искусства,  профессором  Московской  государственной академии хореографии А. Б. Петровым.

Статья  посвящена  истории  претворения  П.  И.  Чайковским  сюжета  трагедии  У. Шекспира.  Помимо  хорошо  известной  симфонической увертюры-фантазии  «Гамлет»  1888  года  (f-moll,  ор. 67)  в  творчестве композитора представлена и музыка к трагедии (ор. 67-bis), созданная по  просьбе  французского  актера  Л. Гитри  в  1891  году.  Впервые  идея воплощения сюжета в музыке обозначена в наследии П. И. Чайковского в 1876 году, его предложил брату М. И. Чайковский, но еще раньше  в  1872  году  композитор  в  своей  музыкально-критической  статье, посвященной  одноименной  опере  А.  Тома,  рассуждает  о  проблемах, связанных с созданием произведений на данный сюжет. В материалах П. И. Чайковского  сохранились  также  сделанный  композитором  набросок  монолога  Гамлета  с  текстом  на  английском  языке,  возможно, для оперы (1885), и наброски и эскизы в записной книжке № 4, предположительно предназначавшиеся для программной симфонии «Гамлет» и частично вошедшие в Пятую симфонию (1887). Итогом многолетних поисков композитора стали программная увертюра-фантазия и музыка к трагедии, в которую автором были включены фрагменты из ранее написанных сочинений, в том числе — из музыки к «Снегурочке» и Элегии для струнного оркестра («Привет благодарности»). В статье делается вывод о значимости сюжета для композитора и его связях с другими опусами автора.

Статья  посвящена  изучению  исторических,  исполнительских  и  музыкальных аспектов функционирования театра оперетты на Дальнем Востоке в 1900–1905 годах. Автором привлекаются материалы периодических изданий, большинство из которых впервые вводится в научный обиход. С их помощью освещается местная специфика постановок и важные для истории дальневосточной оперетты факты: открытие сезонов чисто опереточной антрепризы, организация сезонов оперетты в Маньчжурии. Устанавливаются артистические составы, проводится обзор наиболее интересных рецензий и свидетельств газетной хроники. Свидетельства периодики позволяют  убедиться,  что  за  пределами  российских  границ  отечественный опереточный театр сохраняет все свои особенности. После кризиса театра оперетты в европейской России, на Дальнем Востоке в начале ХХ столетия он переживает новый расцвет и сохраняет все выработанные традиции.

В  статье  анализируется  содержательный  аспект  образовательных программ  «Canto  rinascimentale  e  barocco»,  реализуемых  в  итальянском профессиональном  образовании  вокалистов.  Аналога  подобных  специальных  образовательных  программ  в  России  нет.  Соответственно  имеется  необходимость  изучить  существующий  опыт  с  тем,  чтобы  принять и  адаптировать  в  отечественных  программах  некоторые  из  итальянских образовательных моделей и технологий обучения, которые используются в трансляции вокального репертуара XV–XVIII столетий. В контексте интернационализации  образования,  развития  инновационной  образовательной среды, расширения международных связей такое взаимодействие не только соответствует текущему моменту, но может, отчасти поддержать отечественное  вокальное  образование  в  конкурентном  поле.  Оно  также будет  способствовать  приобретению  обучающимися  тех  компетенций, которые  в  перспективе  будут  востребованы  в  профессиональной  работе исполнителя с ренессансным и барочным репертуарами, ведь в реальной художественной практике современного исторически информированного исполнительства именно такие знания и умения совершенно необходимы.

В  статье  рассматривается  важнейшая  современная  проблема  пластического воспитания актера — десоматизация, потеря телесности, которая является  мощным  дестабилизирующим  фактором  в  формировании  пластической  культуры  актера.  Речь  идет  об  осознании  возможностей  тела и о проблемах, связанных с системой «сознание — тело». В статье показан комплекс  действенных  методов,  эффективно  влияющих  на  процесс  преодоления десоматизации, а также представлены практические рекомендации для педагогов пластических дисциплин — на основании педагогических наработок профессора А. Б. Дрознина, главы кафедры пластической выразительности актера Театрального института имени Бориса Щукина.

На основе письменных источников (теоретических трудов, эпистолярного наследия, дневников и материалов периодических изданий) в статье рассматривается система научных взглядов П. А. Сорокина на проблему творчества в контексте его интегральной философии. В статье прослеживается взаимосвязь между теорией социокультурной динамики, интегральной теорией познания и творчества, теорией созидательного альтруизма, уточняется  место  искусства  как  эмпирической  системы  в  исторических типах  культуры  и  общества.  Поднимается  вопрос  о  влиянии  учений В. М. Бехтерева, Н. А. Бердяева, Н. О. Лосского на становление научных взглядов П. А. Сорокина в отношении феномена творчества.

Статья  посвящена  феномену  безыскусного,  «пустякового»  искусства: внежанровому  и  внестилистическому  качеству  изобразительного  творчества, проявляющемуся в размывании границ между произведением искусства и действительностью. На примерах творчества авторов XX и XXI веков  определяются  черты  и  обстоятельства  существования  указанного феномена: способы творческого взаимодействия художника с миром (растворение, посредничество), особенности работы с сюжетом и материалом (проявление  неочевидной,  «тихой»  красоты  окружающей  реальности, включение  в  палитру  бывших  в  употреблении  материалов  для  творчества); минимальность художественного жеста (обнаружение автором минимально необходимых и точных действий, позволяющих зафиксировать художественное открытие, при этом, оставаясь в тени). Через призму безыскусности рассматриваются различные виды и жанры изобразительного искусства: графика, живопись, коллаж, ассамбляж, рельеф, скульптура, «найденный объект». Несмотря на заявленный внестилистический взгляд на искусство, выделяются направления, в которых чаще встречаются черты дадаизма, «бедного» искусства. Начало и природа описываемого явления  обнаруживаются  сначала  в  античной  и  восточной  дзен-буддистской культурах, а затем — в формальных поисках искусства XX века. В качестве вывода  высказывается  предположение  об  актуальности  подобного  пути, возвращающего  к  непосредственным  тактильным  и  визуальным  ощущениям  реальности  в  условиях  дематериализации  и  виртуализации  искусства XXI века.

Статья посвящена уникальному дару великой балерины Галины Улановой. Известнейшая советская артистка балета была также балетмейстером и  педагогом.  Самая  титулованная  балерина  за  всю  историю  отечественного балета, она также была одной из величайших мировых балерин ХХ столетия. Анализируя роли, исполненные великой балериной, автор статьи, также известнейшая балерина Г. Т. Комлева, подходит с позиции собственной исполнительской практики.

Статья посвящена жизни и деятельности Александра Павловича Демидова (1944–-1990) — советского балетоведа и театрального критика, а также режиссёра, чья деятельность была связана с различными изданиями: журналом «Театр», после ухода из которого, он продолжал публиковать критические  статьи  в  журналах  «Музыкальная  жизнь»  и  «Театральная жизнь».  В  статье  рассматривается  проблема  трансформации  творческой личности, в рамках которой режиссура вытесняла критику, а критик мог разъять чужой спектакль на составляющие, обнаруживая тайную механику искусства.

Статья является рецензией на недавно опубликованную книгу С. В. Лавровой  «После  Вальтера  Беньямина:  Новая  музыка  Германии,  Австрии и Швейцарии от эпохи цифрового посткапитализма до COVID 19». Основным смысловым стержнем исследования оказывается проблема ауры, артикулированная  в  известной  работе  Вальтера  Беньямина  «Произведение искусства в эпоху его технической воспроизводимости». В рамках проблемы существования музыки в новых условиях цифровизации автор рассматривает творчество пяти австро-немецких композиторов: Бернхар-да Ланга (1957)¸ Петера Аблингера (1959), Беата Фуррера (1954), Геор-га Фридриха Хааса (1953) и Йоханнеса Крайдлера (1980). Особенностью этой работы является то, что она также посвящена проблеме пандемического локдауна 2020 и того, как он может сказаться на состоянии современной культуры и искусства.