Данная статья посвящается Вере Сергеевне Костровицкой (1906–1979) — замечательному педагогу, выдающемуся методисту, книги которой составляют золотой фонд по методике классического танца. Ее «Школа классического танца» и «100 уроков классического танца» стали учебниками для всех хореографических школ. Человек, переживший войну и блокаду, сохранил себя как Личность, и об этом хочется вспомнить.

В статье дан отчет о сегодняшнем состоянии оцифровки и доступности материалов коллекции Н. Г. Сергеева в Гарвардской библиотеке (на английском языке). Представлены сведения о количестве и процентном соотношении к общему числу единиц хранения, доступных в режиме онлайн как для основного массива электронных документов коллекции (MS Thr 245), так и для отдельных категорий документов: хореографических нотаций, клавиров, репетиторов, оркестровых партитур). Определена динамика, отмечены некоторые тревожащие тенденции процесса оцифровки, названы факторы, затрудняющие доступ балетной общественности к информации о реальном состоянии дел и прогрессе оцифровки коллекции.

Статья посвящена истории постановок балета Филиппа Тальони «Сильфида», в котором танец предстает обладателем собственного хореографического языка. Хореограф создал спектакль для своей талантливой дочери Марии Тальони, чье творчество является одной из важных страниц истории балета. В статье не только детально воспроизводится история создания балета хореографом Филиппом Тальони и композитором Жаном Мадлен Шнейцхоффером, но также прослеживаются дальнейшие постановки, определившие судьбу этого балета. Автор приходи к выводу, что создание балета «Сильфида» стало поворотным моментом в истории балета.

Французский танцовщик и балетмейстер Жозеф Мазилье, первый исполнитель партии Джеймса в балете «Сильфида» (1832), автор знаменитых романтических балетов «Пахита», «Сатанилла», «Своенравная жена», значительную часть своей творческой жизни посвятил Парижской опере. Но в его карьере был и «российский период»: один сезон 1851 / 1852 года он провел на службе Дирекции императорских театров в СанктПетербурге. За это время он сочинил два новых балета («Фламандская красавица» и «Вер-Вер»), осуществил постановку танцев в дебютной опере А. Рубинштейна «Куликовская битва» и отредактировал свои произведения, которые уже шли на петербургской сцене.

В 2015 году Владислав Иванов опубликовал книгу «Неизвестный Мазилье», которая стала первой монографией об этом ярком деятеле европейского романтического балета. За годы, прошедшие после публикации, были обнаружены новые документы, относящиеся к деятельности Мазилье в Петербурге. Они позволили дополнить, исправить и уточнить сведения, изложенные в книге В. Иванова. В настоящей публикации частично воспроизводятся и анализируются архивные материалы (дела о службе, переписка между чиновниками Дирекции императорских театров, контракты, хранящиеся в Российском Государственном историческом архиве), материалы русской периодической печати XIX века.

Статья посвящена некогда известному татарскому балету «Заколдованный мальчик» З. Хабибуллина. Первый детский балет Татарстана, он долгие годы шел на сцене Татарского государственного академического театра оперы и балета имени М. Джалиля, в архивах которого хранится информация об истории его создания и постановки. Представлены результаты сравнительного анализа либретто двух редакций балета, осмыслены их литературные первоисточники. Отдельное внимание уделено рассказу об авторах и исполнителях произведения.

Статья посвящена новаторскому балету Г. Анджолини и К. Глюка «Дон Жуан, или Пир с каменным гостем», созданному в середине XVIII века. Впервые в отечественном музыкознании воссоздаются этапы работы Анджолини над спектаклем: от сценарного замысла — до его многочисленных сценических воплощений. Рассматриваются копии вариантов нотных рукописей балета К. Глюка, сделанные во второй половине XVIII века, акцентируется внимание на авторской версии музыкальной партитуры. В статье разбираются отдельные основные компоненты спектакля «Дон Жуан», которые сыграли значительную роль в преобразовании балетного жанра и оказали огромное влияние на композиторов и балетмейстеров второй половины XVIII века.

Статья посвящена проблеме сохранения балетов классического наследия. Данная проблематика является весьма актуальной, так как сохранение искусства классического балета невозможно без преемственности исполнительских традиций. Вместе с тем в последнее десятилетие на петербургских сценах наблюдается многообразие как классических, так и современных постановок, что неизбежно сказывается на качестве исполнения широко известных во всем мире балетных спектаклей.

Автор исследует методологию сохранения классического наследия, руководствуясь методами сравнительного анализа исторической экспликации особенностей восстановления хореографического текста в России и на Западе.

Предложены трактовки терминов «реставрация», «реконструкция», «редакция». На основании сопоставления позиций практиков балетного театра сделан вывод о зависимости между знанием исполнительской традиции и качеством постановки балетного спектакля прошлого, которое подразумевает опору на хореографическую логику постановщиков-предшественников и воссоздание образно-стилистических особенностей хореографической лексики как со стороны балетмейстера, так и со стороны артистов.

Музыка Абая Кунанбаева (1845–1904) — известного казахского поэта-просветителя, философа, композитора — является достоянием мировой музыкальной культуры. Она находит свое применение в различных сферах искусства и образования. Часто можно встретить ее интерпретации и осмысление в хореографическом дискурсе. Тем не менее большая часть музыкального наследия Абая, как правило, остается за гранью доступности широкой аудитории. В данной работе авторы изучают и описывают опыт осуществленного научно-творческого проекта, цель которого заключалась в расширении круга произведений Абая, используемых в хореографии, на примере урока казахского танца. В основе методологии, примененной авторами в ходе реализации проекта, лежат методы архивной, аналитической и экспериментальной работы. Результатом изысканий авторов стало внедрение редко используемых в хореографии музыкальных произведений Абая в учебные танцевальные комбинации для экзерсиса у палки и на середине зала (для женского и мужского разделов урока казахского танца). В настоящей статье по результатам научно-творческого проекта авторы указывают на самодостаточность музыкального наследия Абая и возможность его включения в широкий круг образовательного и творческого процессов не только в Казахстане, но и за его пределами, чему будет способствовать разрабатываемое ими учебно-методическое пособие по итогам научно-творческого проекта.

Статья посвящена британскому композитору второй половины ХХ века Николасу Мо. Его творчество, представленное разнообразными музыкальными жанрами, характеризуется сочетанием традиций прошлого и новаций музыкального искусства второй половины ХХ века. Прослеживаются основные этапы творческого формирования композитора на примере трех произведений, занимающих особое место в его наследии: «Сцены и арии», «Одиссея», «Выбор Софи». Уделяется внимание понятию «нарратив» и его значению в системе взглядов Мо. В приложении к статье приводится полный список сочинений композитора.

Статья написана на основе документальных материалов — воспоминаний современного американского композитора Филипа Гласса (1937) «Слова без музыки». Опираясь на мемуары, интервью и исследовательскую литературу разных лет, автор прослеживает жизненный и творческий путь Гласса как яркого представителя экспериментального искусства США второй половины ХХ века, глубоко связанного с национальными художественными и музыкальными традициями. Тесные контакты с авангардной нью-йоркской средой, обращение к азиатской культуре, а также к неакадемическому искусству предопределили самоидентификацию Гласса как американского композитора-маверика, отличающегося принципиальной установкой на обновление музыкального языка, экспериментализм, изобретение новых стилей (музыкальный минимализм) и техник письма (в частности, оригинального репетитивного метода организации звуковой материи — линейного процесса сложения и линейного процесса вычитания).

Статья посвящена одному из важнейших аспектов исследования экранной поэтики телевизионных и кинофильмов М. А. Захарова — изучению специфики режиссерского сюжета захаровских экранных произведений. Анализ сюжетов отдельных захаровских теле- и кинокартин показал, что они являются вариантами общего метасюжета — сюжета «игры в бога», который характерен для европейского искусства и присущ таким, например, произведениям, как «Буря» У. Шекспира, «Робинзон Крузо» Д. Дефо, «Остров доктора Моро» Г. Уэллса, «Волхв» Дж Фаулза. Фильмы «Двенадцать стульев» (1976), «Обыкновенное чудо» (1978), «Тот самый Мюнхгаузен» (1979), «Дом, который построил Свифт» (1982), «Формула любви» (1984) и другие снимались в годы, когда «шестидесятник» Захаров причислял себя к «новому потерянному поколению». В захаровских экранных произведениях сюжет «игры в бога» имел ярко выраженный лирический характер и позволял в художественной форме размышлять о пределах возможностей человека, о способах его самореализации и о тех границах, пересечение которых грозит потерей себя.

Статья посвящена изучению особенностей интерпретации симфонической поэмы «Остров мертвых» С. В. Рахманинова, созданной композитором в период позднего русского романтизма, в творчестве современных хореографов-постановщиков конца ХХ – начала XXI века.

Рассматривая особенности музыкальной и хореографической драматургии в постановках Евгения Панфилова, Бориса Эйфмана, в первых творческих опытах молодых балетмейстеров, связанных с произведением С. В. Рахманинова, можно прийти к выводам о том, что исходная образно-символическая фабула противостояния жизни и смерти раскрывается, дополняется, усиливается драматизмом и эмоционально-психологической насыщенностью в каждой из постановок. Перспективу исследований в данном направлении представляет анализ эстетических и структурнокомпозиционных особенностей художественной интерпретации классической инструментальной музыки не только в искусстве классического танца, но и в разнообразных жанрах современной хореографии.

В последние десятилетия много говорится о конце постмодернизма: выдвигаются концепции диджимодерна, космодернизма, постпостсовременности и другие. В статье рассматриваются различные концепции культуры после постмодернизма с точки зрения музыковедения. Наиболее плодотворным для анализа музыки представляется метамодернизм, который говорит о возвращении аффекта, постироническом колебании, поиске новой вертикали.